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Storyline: Die Freundin des Protagonisten hat mit mir Schluss gemacht. Dann verlor der Protagonist seinen Job. Inhalt: Die Freundin des Protagonisten hat mit ihm Schluss gemacht. Sein gebrochenes Herz führte zu einem emotionalen Zusammenbruch bei der Arbeit, der dazu führte, dass er gefeuert wurde. Sie müssen eine faszinierende Geschichte entwickeln, die sich schnell genug durch die Handlung des Stücks bewegt, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu fesseln. Gleichzeitig müssen Sie zeigen, wie die Aktionen alle durch Ihre Handlungsentwicklung kausal verknüpft sind. Dadurch wird sichergestellt, dass das Publikum mit den Ereignissen, die sich auf der Bühne abspielen, mitfühlt. 
Wo spielt die Geschichte? Wer ist der Protagonist (Hauptfigur) und wer sind die wichtigen Nebenfiguren? Was ist der zentrale Konflikt, mit dem diese Charaktere konfrontiert sind?? Was ist das „aktivierende Ereignis“, das die Hauptaktion des Stücks auslöst und zum zentralen Konflikt führt?? Was passiert mit deinen Charakteren, wenn sie mit diesem Konflikt umgehen?? Wie wurde der Konflikt am Ende der Geschichte gelöst?? Wie wirkt sich das auf die Charaktere aus? 
Wie sind die Beziehungen zwischen den Charakteren?? Wie gehen die Charaktere mit dem zentralen Konflikt um? Welche sind davon am stärksten betroffen und wie wirkt es sich auf sie aus? Wie können Sie die Geschichte (Ereignisse) strukturieren, um die wesentlichen Charaktere mit dem zentralen Konflikt zu verbinden?? Was ist der logische, beiläufige Verlauf, der jedes Ereignis zum nächsten führt und in einem kontinuierlichen Fluss auf den Höhepunkt und die Auflösung der Geschichte hinarbeitet?? 
Flash-Dramen sind sehr kurze Einakter, die von wenigen Sekunden bis etwa 10 Minuten dauern können. Sie eignen sich hervorragend für Theateraufführungen in Schulen und Gemeinden sowie für Wettbewerbe speziell für Flash-Theater. Sehen Sie sich Anna Stillamans „A Time of Green“ als Beispiel für ein Flash-Drama an. 
Beispiele für Theaterstücke in zwei Akten finden Sie in „Hölderlin“ von Peter Weiss oder „The Homecoming“ von Harold Pinter. 
Das „auslösende Ereignis“ sollte ungefähr in der Mitte des ersten Akts eintreten, nachdem der Hintergrund der Geschichte enthüllt wurde. Nach dem auslösenden Ereignis bauen mehrere Szenen die Spannung für das Publikum auf – sei es dramatisch, tragisch oder komisch. Diese Szenen sollten auf einen Konfliktpunkt hinarbeiten, der den ersten Akt abschließt. Schließen Sie den ersten Akt kurz nach dem Punkt mit der höchsten Spannung in der Geschichte in diesem Moment. Das Publikum wird die Pause voller Vorfreude betreten und gespannt auf den zweiten Akt zurückkommen. Beginnen Sie den zweiten Akt an einem niedrigeren Spannungspunkt als dort, wo der erste Akt aufgehört hat. Die Absicht ist, das Publikum langsam zurück in den Konflikt der Geschichte zu führen. Präsentieren Sie im zweiten Akt mehrere Szenen, die den Konflikt auf den Höhepunkt der Geschichte (den höchsten Punkt der Spannung und des Konflikts) heben, kurz vor dem Ende des Stücks. Entspanne das Publikum am Ende mit der absteigenden Aktion und einer Auflösung oder Auflösung. Obwohl nicht alle Stücke ein Happy End haben müssen, sollte das Publikum das Gefühl haben, dass die Spannung, die Sie im Stück aufgebaut haben, gelöst ist. 
Akt 1 ist die Exposition: Nehmen Sie sich Zeit, um die Charaktere vorzustellen und Hintergrundinformationen zu geben. Bringen Sie das Publikum dazu, sich in den Protagonisten und seine Situation einzufühlen, um eine starke emotionale Reaktion hervorzurufen, wenn etwas schief geht. Der erste Akt sollte auch das Problem vorstellen, das sich im Rest des Stücks entwickeln wird. Akt 2 ist die Komplikation: Der Einsatz wird für die Hauptfigur höher, da das Problem immer schwieriger zu lösen ist. Eine gute Möglichkeit, die Situation im zweiten Akt noch schlimmer zu machen, besteht darin, kurz vor dem Höhepunkt des Akts eine wichtige Hintergrundinformation preiszugeben. Diese Offenbarung sollte Zweifel im Kopf des Protagonisten säen, bevor er die Kraft findet, sich durch den Konflikt zu seiner Lösung zu arbeiten. Akt 2 sollte mit wenig Hoffnung enden, die Pläne des Protagonisten werden zerstört. Akt 3 ist die Lösung: Die Hauptfigur überwindet die Hindernisse des zweiten Aktes und findet einen Weg zum Ende des Stücks. Beachten Sie, dass nicht alle Stücke ein Happy End haben; der Held kann als Teil der Auflösung sterben, aber das Publikum muss etwas daraus lernen können. Beispiele für Theaterstücke in drei Akten sind Honore de Balzacs „Mercadet“ und John Galsworthys „Pigeon: A Fantasy in Three Acts“. 
Haben Sie keine Angst, Satzfragmente zu verwenden. Obwohl wir gelernt haben, beim Schreiben nie Textschnipsel zu verwenden, verwenden wir sie immer, wenn wir sprechen: "Ich hasse Hunde. alle Hunde. 
Rufsignale: [langes, unangenehmes Schweigen] Körperliche Aktion: [Silas steht auf und schreitet nervös]; [Margaret beißt sich auf die Nägel] Gefühlslage: [Ängstlich], [Enthusiastisch], [hebt angewidert das schmutzige Hemd auf] 
Denken Sie auch beim Hinzufügen von Details daran, dass die Löschtaste Ihr bester Freund ist. Wie Donald Murray sagte, müssen Sie "das Schlechte weglassen, um das Gute zu offenbaren". Entferne alle Dialoge und Ereignisse, die nichts zur emotionalen Resonanz des Stücks beitragen. Der Rat des Schriftstellers Leonard Elmore gilt auch für Theaterstücke: „Versuchen Sie, die Teile wegzulassen, die die Leser gerne überspringen“.
Ein drehbuch für ein theaterstück schreiben
Sie haben eine Idee für ein Theaterstück – vielleicht eine wirklich gute Idee. Sie wollen es zu einer komischen oder dramatischen Geschichte ausbauen, aber wie? Du möchtest vielleicht gleich mit dem Schreiben beginnen, aber wenn du Zeit damit verbringst, die Handlung zu konkretisieren, bevor du mit einem ersten Entwurf beginnst, wird das Stück viel stärker. Nachdem Sie sich ein Brainstorming über Ihre Geschichte gemacht und die Struktur der Geschichte skizziert haben, wird das Schreiben Ihres Stücks viel weniger abschreckend erscheinen.
Schritte
Teil 1 von 3: Brainstorme deine Geschichte
1. Entscheide, welche Art von Geschichte du erzählen möchtest. Obwohl jede Geschichte anders ist, fallen die meisten Stücke in Kategorien, die dem Publikum helfen zu verstehen, wie die Beziehungen und Ereignisse, die es sieht, zu interpretieren sind. Denken Sie über die Charaktere nach, die Sie beschreiben möchten, und überlegen Sie dann, wie sich ihre Geschichten entwickeln sollen. Sollten Sie:
- Löse ein Rätsel?
- Durch eine Reihe schwieriger Ereignisse gehen, um persönliches Wachstum zu erreichen?
- Aufwachsen, indem man durch Erfahrungen in der Außenwelt aus der kindlichen Unschuld heraustritt?
- Machen Sie eine Reise, wie die gefährliche Reise von Odysseus in Die Odyssee?
- Ordnung schaffen im Chaos?
- Einige Hindernisse überwinden, um ein Ziel zu erreichen?
2. Brainstorme zu den grundlegenden Teilen deines Handlungsbogens. Der Handlungsbogen ist der Fortgang des Stücks durch den Anfang, die Mitte und das Ende. Die Fachausdrücke für diese drei Teile sind Exposition, aufsteigende Handlung und Auflösung oder Auflösung, und sie sind immer in dieser Reihenfolge. Egal wie lang Ihr Stück ist oder wie viele Akte es gibt, ein gutes Stück wird alle drei Teile dieses Puzzles entwickeln. Bevor Sie mit dem Schreiben Ihres Stücks beginnen, überlegen Sie sich, wie Sie jedes davon konkretisieren möchten.
3. Entscheiden Sie, was in die Ausstellung aufgenommen werden soll. Die Exposition eröffnet ein Theaterstück, indem sie die grundlegenden Daten bereitstellt, die zum Verfolgen der Geschichte erforderlich sind: Wann und wo spielt diese Geschichte?? Wer ist der Hauptcharakter? Wer sind die Nebenfiguren, einschließlich des Antagonisten (die Person, die die Hauptfigur ihren zentralen Konflikt darstellt), falls vorhanden?? Was ist der zentrale Konflikt, mit dem diese Charaktere konfrontiert sind?? Welche Stimmung hat dieses Stück (Komödie, Liebesdrama, Tragödie)??
4. Schaffen Sie den Übergang von der Exposition zur aufsteigenden Aktion. In der rasanten Action entfalten sich die Ereignisse auf eine Weise, die die Umstände für die Charaktere erschwert. Der zentrale Konflikt wird deutlicher, je intensiver die Ereignisse die Spannung für das Publikum verstärken. Dieser Konflikt kann sich mit einem anderen Zeichen (Antagonist), mit einer äußeren Bedingung (Krieg, Armut, Trennung von einem geliebten Menschen) oder mit sich selbst (z. B. die Überwindung der eigenen Unsicherheit) manifestieren. Die rasante Handlung gipfelt im Höhepunkt der Geschichte: dem Moment höchster Spannung, in dem Konflikte herrschen.
5. Entscheiden Sie, wie der Konflikt gelöst wird. Die Auflösung löst die Spannung des großen Konflikts, um den Handlungsbogen zu schließen. Haben Sie ein Happy End, bei dem die Hauptfigur bekommt, was sie will? ein tragisches Ende, bei dem das Publikum etwas aus dem Versagen der Hauptfigur lernt; oder eine Auflösung, bei der alle Fragen beantwortet sind.
6. Verstehe den Unterschied zwischen Handlung und Geschichte. Die Geschichte Ihres Stücks besteht aus der Handlung und der Handlung – zwei separate Elemente, die zusammen entwickelt werden müssen, um ein Stück zu schaffen, das die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich zieht. E.m. Forster definiert die Handlung als das, was im Stück passiert – die chronologische Entfaltung der Ereignisse. Auf der anderen Seite kann man sich Plot als die Logik vorstellen, die die sich entfaltenden Ereignisse verbindet und sie emotional macht. Ein Beispiel für den Unterschied:
7. Entwickle deine Geschichte. Sie können die emotionale Resonanz der Handlung nicht vertiefen, bis Sie eine gute Geschichte haben. Machen Sie sich vor dem eigentlichen Schreiben Gedanken über die grundlegenden Elemente der Geschichte, indem Sie die folgenden Fragen beantworten:
8. Vertiefe deine Geschichte mit Handlungsentwicklung. Denken Sie daran, dass die Handlung die Beziehung zwischen allen Elementen der Geschichte entwickelt, wie im vorherigen Schritt erwähnt. Wenn Sie über die Handlung nachdenken, sollten Sie versuchen, die folgenden Fragen zu beantworten:
Teil 2 von 3: Die Struktur deines Spiels bestimmen
1. Beginnen Sie mit einem Einakter, wenn Sie gerade erst anfangen, Theaterstücke zu schreiben. Bevor Sie mit dem Schreiben des Stücks beginnen, sollten Sie sich eine Vorstellung von seiner Struktur machen. Der Einakter geht ohne Unterbrechungen weiter und ist ein guter Ausgangspunkt, wenn Sie noch kein Stück geschrieben haben. Beispiele für Einakter sind „The Bond“ von Robert Frost und Amy Lowell und „Gettysburg“ von Percy MacKaye. Obwohl der Einakter den einfachsten Aufbau hat, bleibt es so, dass alle Geschichten einen Handlungsbogen mit Exposition, steigender Spannung und Auflösung erfordern.
- Da Einakter keine Pausen haben, erfordern sie einfachere Sets und Kostümwechsel. Halten Sie Ihre technischen Anforderungen einfach.
2. Begrenzen Sie nicht die Länge Ihres Einakters. Die Einakterstruktur hat nichts mit der Dauer der Aufführung zu tun. Solche Stücke können in der Länge stark variieren, wobei einige Produktionen nur 10 Minuten und andere über eine Stunde lang sind.
3. Erstellen Sie komplexere Sets mit einem Theaterstück in zwei Akten. Ein Theaterstück in zwei Akten ist die häufigste Struktur im zeitgenössischen Theater. Es gibt zwar keine Regel, wie lange jedes Geschäft dauern sollte, aber jedes Geschäft wird ungefähr eine halbe Stunde lang laufen, um dem Publikum eine Pause zu gönnen. Die Pause gibt dem Publikum Zeit, auf die Toilette zu gehen oder einfach nur zu entspannen, das Geschehen auf der Bühne zu reflektieren und den Konflikt im ersten Akt zu diskutieren. Außerdem können hinter den Kulissen große Änderungen an Set, Kostümen und Make-up vorgenommen werden. Pausen dauern in der Regel etwa 15 Minuten, stellen Sie also sicher, dass die Aufgaben der Crew innerhalb dieser Zeit einigermaßen zu bewältigen sind.
4. Passen Sie die Handlung an die Zwei-Akt-Struktur an. Die Struktur eines Theaterstücks mit zwei Akten verändert mehr als nur die Zeit, die Ihre Crew braucht, um technische Anpassungen vorzunehmen. Da das Publikum mitten im Stück eine Pause macht, kann man die Geschichte nicht als eine durchgehende Erzählung behandeln. Sie müssen Ihre Geschichte um die Pause herum gestalten, um das Publikum am Ende des ersten Aktes in Spannung und Vorfreude zu halten. Wenn das Publikum aus der Pause zurückkehrt, sollte es sofort wieder in die steigende Spannung der Geschichte hineingezogen werden.
5. Schreiben Sie längere, komplexere Plots mit einem Drei-Akt-Layout. Wenn Sie zum ersten Mal Theaterstücke schreiben, möchten Sie vielleicht mit einem Einakter oder Zweiakter beginnen, da ein vollständiger Dreiakter oder mehrere Akte Ihr Publikum bis zu zwei Stunden lang fesseln können! Es braucht viel Erfahrung und Geschick, um eine Produktion zusammenzustellen, die ein Publikum so lange fesseln kann, daher ist es vielleicht ratsam, Ihre Ambitionen zuerst etwas niedriger zu setzen. Wenn die Geschichte, die Sie erzählen möchten, jedoch komplex genug ist, ist ein Theaterstück in drei Akten möglicherweise die beste Wahl. Wie beim Theaterstück in zwei Akten gibt es mehr Möglichkeiten für große Veränderungen im Set, in den Kostümen usw. in den Pausen zwischen den Unternehmen. Jeder Akt des Stücks muss sein eigenes Story-Ziel erreichen:
Teil3 von 3: Dein Stück schreiben
1. Planen Sie die Kompanien und Szenen. In den ersten beiden Teilen dieses Artikels haben Sie sich über Ihre Grundideen bezüglich des Handlungsbogens, der Story- und Handlungsentwicklung und der Struktur Ihres Stücks Gedanken gemacht. Bevor Sie sich nun hinsetzen, um das Stück zu schreiben, müssen Sie all diese Ideen in eine ordentliche Gliederung bringen. Für jedes Unternehmen geben Sie an, was in jeder Szene passiert.
- Wann werden die wichtigen Charaktere vorgestellt?
- Wie viele verschiedene Szenen haben Sie und was passiert in jeder Szene konkret??
- Stellen Sie sicher, dass sich die Ereignisse jeder Szene auf die nächste Szene aufbauen, um die Handlungsentwicklung zu erreichen.
- Wann sind Änderungen im Set erforderlich? Kostümwechsel? Berücksichtigen Sie diese Art von technischen Elementen, während Sie einen Überblick über die Entwicklung Ihrer Geschichte erstellen.
2. Verbessere deinen Überblick, indem du dein Stück schreibst. Sobald Sie Ihre Gliederung erstellt haben, können Sie mit dem eigentlichen Spiel beginnen. Erstellen Sie den grundlegenden Dialog zuerst auf der Seite, ohne sich Gedanken darüber zu machen, wie natürlich der Dialog klingt oder wie sich die Schauspieler auf der Bühne bewegen und ihre Darbietungen geben sollen. Sie wollen einfach „das erste Design in Schwarz-Weiß bekommen“, wie Guy de Maupassant sagte.
3. Arbeite daran, einen natürlichen Dialog zu schaffen. Sie möchten Ihren Schauspielern ein solides Drehbuch geben, damit sie den Text menschlich, real und emotional kraftvoll präsentieren können. Nehmen Sie auf, wie Sie den Text Ihres ersten Entwurfs laut vorlesen, und hören Sie sich dann die Aufnahme an. Notieren Sie Punkte, an denen Sie mechanisch oder übermäßig großartig klingen. Denken Sie daran, dass Ihre Charaktere selbst in einem literarischen Stück immer noch wie normale Menschen klingen müssen. Sie sollten nicht so klingen, als würden sie ausgefallene Reden halten, während sie sich beim Abendessen über ihren Job beschweren.
4. Lassen Sie Konversationen Nebenwege nehmen. Wenn du mit deinen Freunden sprichst, wirst du selten bei einem Thema bleiben. Während in einem Stück das Gespräch die Charaktere zum nächsten Konflikt führen soll, ist es ratsam, ein Gespräch mit kleinen Ablenkungen realistisch zu gestalten. In einem Gespräch darüber, warum sich die Freundin des Protagonisten von Ihnen getrennt hat, kann es beispielsweise eine zwei- oder dreizeilige Sequenz geben, in der die Sprecher darüber streiten, wie lange sie überhaupt schon zusammen sind.
5. Baue Pausen in deinen Dialog ein. Auch wenn wir nicht unhöflich sind, unterbrechen sich die Leute im Gespräch, auch wenn wir nur unsere Zustimmung ausdrücken wollen, wie z. Die Leute unterbrechen sich auch, indem sie das Thema innerhalb ihrer eigenen Sätze wechseln: "Ich denke nur - ich meine, es macht mir wirklich nichts aus, am Samstag dorthin zu fahren, es ist nur so - hör zu, ich habe in letzter Zeit nur sehr hart gearbeitet.".
6. Fügen Sie Bühnenhinweise hinzu. Bühnenhinweise helfen den Schauspielern, Ihre Vision von dem, was auf der Bühne passiert, zu verstehen. Verwenden Sie kursive oder eckige Klammern, um Ihre Regieanweisungen getrennt vom gesprochenen Dialog anzugeben. Während die Schauspieler ihren eigenen kreativen Sinn einsetzen, um Ihre Worte zum Leben zu erwecken, gibt es bestimmte spezifische Hinweise, die Sie geben können, wie zum Beispiel:
7. Schreiben Sie Ihre Version so oft wie nötig neu. Mit der ersten Version haben Sie Ihr Stück nicht sofort fertig. Selbst erfahrene Autoren erarbeiten verschiedene Konzepte eines Theaterstücks, bevor sie mit dem Endprodukt zufrieden sind. Beeilen Sie sich nicht! Mit jeder Version fügen Sie weitere Details hinzu, die Ihre Produktion zum Leben erwecken.
Tipps
- Die meisten Spiele spielen zu einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort, also seien Sie konsequent. Ein Charakter in den Dreißigern kann telefonieren oder ein Telegramm senden, aber nicht fernsehen.
- Bitte überprüfen Sie die Ressourcen am Ende dieses Artikels auf die richtige Formatierung Ihres Spiels und befolgen Sie die festgelegten Richtlinien.
- Achte darauf, dass du immer weitermachst und wenn du deine Zeilen während einer Vorstellung vergessen hast, überlege dir was! Manchmal sogar besser als der Originaltext!
- Lesen Sie das Drehbuch vor einem kleinen Publikum vor. Theaterstücke basieren auf Wörtern, und ihre Macht oder ihr Fehlen wird schnell offensichtlich, wenn sie gesprochen werden.
- Lassen Sie das Stück nicht an einem ruhigen Ort, sondern machen Sie der Welt klar, dass Sie ein Autor sind!
- Schreiben Sie viele Versionen, auch wenn Sie mit Ihrem ersten Entwurf zufrieden sind.
Warnungen
- Die Welt des Theaters ist voller Ideen, aber achte auf einen originellen Umgang mit einer Geschichte. Die Geschichte eines anderen zu stehlen ist nicht nur moralisch schlecht, sondern wird mit ziemlicher Sicherheit entdeckt.
- Sie werden viel häufiger Ablehnung erfahren, als Ihr Stück akzeptiert wird, aber lassen Sie sich nicht entmutigen. Wenn Sie es satt haben, dass eines Ihrer Stücke ignoriert wird, schreiben Sie ein anderes.
- Schützen Sie Ihre Arbeit. Stellen Sie sicher, dass die Titelseite des Stücks Ihren Namen und das Jahr enthält, in dem Sie das Stück geschrieben haben, vor dem Copyright-Symbol: ©.
"Ein drehbuch für ein theaterstück schreiben"
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